La decimosexta Bienal de Estambul

La decimosexta BIENNIAL de ESTANBUL
THE SEVENTH CONTINENT (El séptimo continente) y algunas resonancias culturales en simultáneo.



Llego a un Estambul mas grande, a un Estambul mas humano, un Estambul que cuenta nuevamente con algo de esperanza después de una larga tormenta política. Me sorprende como creció desde mi última visita. Es notable la cantidad de rascacielos que se destacan en el skyline y la extensión del área metropolitana.

Siempre caótica, intensa, animada, cosmopolita, la ciudad sigue dinámica y viva. El llegar a Estambul requiere concentración para decodificar lo nuevo de lo viejo, es una megalópolis llena de contraste. El recientemente inaugurado y polémico aeropuerto, uno de los más grandes del mundo, con una capacidad actual de traslado de 90 millones de pasajeros por año en su primera fase, no deja de sorprendernos por su gigantismo. Podría ser un reflejo de como funciona la cuidad mas poblada de Europa.

La decimosexta BIENNIAL de ISTANBUL cuenta con la participación de 57 artistas y colectivos de 26 países (Argentina, Austria, Brasil, Canadá, Croacia, Republica checa , Dinamarca, Francia, Alemania, Irán, Irlanda, Italia, Japón, Lituania, Holanda, Perú, Polonia, África del sur, Corea del sur, Suecia, España, Taiwán, Tailandia, Turquía, UK y EE UU ), 38 son proyectos y obras especialmente comisionadas para la Bienal.

Curada por Nicolas Bourriaud (Francia, 1965), la bienal se presenta en tres sedes, dos de ellas en centro histórico de la cuidad, el Pera Museum y el Antrepo 5. Este último se encuentra en el barrio de Tophane, en unos antiguos galpones de 17.700 m2, que se fueron transformados en los últimos ocho años, en el museo de pintura y escultura de la Mimar Sinan Universidad de Bellas Artes que se inaugurara en el 2020. La tercer sede, se encuentra en Büyükada, la mayor de las islas de las llamadas “islas Príncipe” del mar de Marmara, a una hora de barco del centro.

Antrepo 5 fue una sede que surgió a ultimo momento, dado que un mes antes de la inauguración de la bienal, Tersane Istanbul (Istanbul Shipyards), la sede principal prevista inicialmente, tuvo que cancelarse por problemas de residuos de amianto que persistían en la zona de la construcciones antiguas, por lo que tuvieron que declararlo inapropiado para poder recibir visitantes. Eso explica porque ciertas obras en Antrepo 5 no terminan de integrarse totalmente a este nuevo espacio muy aséptico.

THE SEVENTH CONTINENT trata de forma abierta el tema muy actual, el antropoceno, proponiendo miradas diversas en relación con nuestra era. Habla de ese lugar en donde no queremos vivir hecho de nuestros propios deshechos. Reúne miradas o investigaciones de artistas creando interferencias y cruces con otras ciencias que operan en dialogo con las artes visuales, por momentos de forma individual y en otros casos de forma grupal. A través de la mirada de los artistas se reflejan las inquietudes relacionadas con el séptimo continente en relación con lo histórico, geográfico, demográfico, cultural, arqueológico o político.

Esas preocupaciones vinculadas a lo que nos rodea se visibiliza cada vez mas por parte de la sociedad civil. Tanto artistas como científicos o ONG’s activan alarmas en sus entornos, y la posibilidad de exponer esta problemática de forma abierta en un evento de escala internacional siempre ayuda a lograr un mayor alcance.

Como sucede en muchos de estos eventos, hay que lograr un cierto equilibrio entre las obras que se muestran, las diversidad de generaciones y géneros de los artistas que participan, las metodologías de trabajo, los formatos utilizados y las procedencias de los invitados, asegurando así la mayor legibilidad del tema abordado y la mejor perspectiva.

En el caso de esta nueva edición, muchas obras lograron ese dialogo de forma interesante con la temática propuesta, sin caer en algo repetitivo y demasiado obvio. Sin embargo, algunos proyectos fueron más lejanos y dificultosos en lograr entender su relación directa con el eje de la muestra.

En Antrepo 5 se pueden destacar algunos proyectos que logran exitosamente generar un dialogo con esa temática de forma estética, antropológica, geográfica o simplemente científica. Propongo un recorrido a través de una selección de obras expuestas en las tres sedes que me parecen dar una idea general del contenido de la muestra.

Origin I, II & III de Dora Budor (Zagreb 1984, vive en New York), que generalmente realiza obras distópicas y orgánicas, presenta unas obras mínimales. Tres vitrinas selladas con luces en las cuales partículas de polvo y pigmentos están en movimiento permanente. El movimiento se genera a través de frecuencias sonoras que activan ventiladores que ponen continuamente en circulación la materia. Los colores de los pigmentos que utiliza hacen referencia a la paleta que usaba J.M.W. Truner en sus pinturas, en las cuales retrato por primera vez los cambios visibles de la contaminación industrial. Estas obras manejan de forma sencilla, poética y estética códigos que hacen referencia a varias épocas de la historia del arte

Rebecca Belmore (Uppsala 1960, vive en Toronto); y Radcliffe Bailey (New Jersey, vive en Georgia), tratan temas antropológicos con obras que hacen referencias a la opresión colonialista, la esclavitud, y los derechos de los indígenas. Belmore, en relación con los Mohaks de Canadá, a través de una escultura titulada “Body of water” (2019), una canoa presentada al revés y cubierta de aluminio, simulando un ataúd, que hace referencia a la desaparición de jóvenes de pueblos originarios que fueron descubiertos ahogados en el rio McIntyre. Representa un memorial de dolor ante la tragedia cuestionando lo que esta excluido o eliminado de lo visible. Bailey, hace referencia a la esclavitud y la diáspora y los traumas que estas situaciones acompañan. Ahí también, lo visibiliza con una embarcación, esta vez de madera, que representa la logística con la cual se transportaban los esclavos hacia el oeste. La instalación se compone de 7 bustos de esclavos africanos y tres bandas sonoras, una difunde la canción del Afro futurista, Sun Ra Arkestra, la segunda, las voces de trabajadores armando un barco en Senegal con el ruido de las olas, y la tercera cuenta con fragmentos de diversos sonidos del músico de Jazz Tarus Mateen y del propio artista.

El colectivo Feral Atlas compuesto por más de un centenar de científicos, humanistas y artistas de varios continentes investigan los efectos no premeditados que las infraestructuras humanas ocasionan. Con un display que hace referencia a los procesos de investigación se visibiliza el antropoceno de diversas formas. Crean un proceso transdisciplinar en el cual demuestran los efectos de las infraestructuras creadas por el hombre como represas, centrales eléctricas, rutas marítimas, plantaciones, etc… En Estambul, el proyecto se presenta en 3 partes realizadas por las antropólogas visual Jennifer Deger y Victoria Baskin Coffey, juntos con el arquitecto Feifei Zhou y la reconocida antropóloga Anna Tsing.

Güneş Terkol & Güçlü Öztekin fundadores de HaZaVuZu, un colectivo de artistas de Estambul, crean un espacio de encuentro, en colaboración, que contiene pinturas, lámparas, cortinas, banderas, disfraces, mascaras y un escenario con instrumentos de música que parece estar a la espera de que empiece a tocar una banda. La idea es crear un lugar acogedor para el público, presentando sus obras de producción artesanal o realizada de forma manual y lúdica evitando los códigos que comporta la museografía tradicional. El concepto y su producción esta lograda, pero el lugar en la cual esta presentada no ayuda, ya que por ser muy rígido, no termina de dejar que la instalación respire libremente.

Simon Fujiwara (London, 1982 vive en Berlin); presenta “It’s a Small World” proyecto que empezó al descubrir una gran cantidad de figuras icónicas pop semi destrozadas en la basura de una fabrica cercana a Estambul. Combino estos personajes recuperados con miniaturas para maquetas arquitectónicas, creando así nuevos contextos y narrativas. La ciudad miniatura de Fujiwara llama la atención sobre las formas en que la fantasía y el escapismo han infiltrado las estructuras centrales de nuestra vida cotidiana, a menudo enmascarando el brutal pragmatismo del capitalismo globalizado. Expuesto en la sala de forma muy mínimal, las trece maquetas independientes, también se pueden leer como el conjunto de instalaciones de un parque de diversiones temático.

En Man Chang (Taitung 1967, vive en Taipei); presenta una video instalación, compuesta de una proyección sobre 3 pantallas con edificios recortados en cartón instalados delante de las mismas, cuya sombra genera un skyline.

Su obra documenta la condición laboral de ciertas comunidades precarias que migraron a Taiwán en los años 50, para trabajar en la construcción que requería en ese momento mucha mano de obra. Esas poblaciones, que fueron claves para la edificación de la ciudad, vivían en zonas precarias, en barracas hechas de chapas, placas de madera y objetos que encontraban en la calles. Mas tarde, el gobierno local determino que la zona donde se habían instalado estas comunidades era ilegal y decidieron reutilizaras para otras afectaciones. El video de Chang muestra el trabajo humano, a menudo invisible, impulsado por el desarrollo capitalista y urbano, mientras es ignorado por sus fuerzas. Su obra se encuentra entre el documental y la instalación.

Otros dos videos importantes de artistas latinos en estas sedes son las de Mika Rottenberg (Buenos Aires 1976, vive en New York), y la de Jonathas de Andrade (Maceió 1982, vive en Recife).

Con “Spaghetti Blockhain” Rottenberg nos hace viajar en texturas, materias y mundos diversos entre tecnología y tradición. Uno pasa del CERN de Ginebra, lugar en el cual se estudia la antimateria, a las estepas de Siberia con cantantes guturales de Tuvas, una de las formas de canto más originales del mundo. Este video reciente, técnicamente impecable, como suelen ser las obras de Rottenberg nos pasea por diferentes mundos y texturas a un ritmo dinámico y con humor, sin darnos tiempo de alejar el ojo de la pantalla ni un instante.

Con otro tipo de registro “O peixe” (el Pescado) de Jonathas de Andrade se inspira del folclore y de cuentacuentos, de la etnografía y de la antropología, explorando temáticas del legado colonial de Latín América. O peixe, obra que ya se pudo ver en varios festivales y exposiciones internacionales, fue grabada con un grupo de pescadores de Piacabucu y Coruripe en Brasil. Los vemos realizando un ritual, al atrapar su presa, se la ponen al pecho y la acarician hasta que poco a poco termina de respirar. Filmado de forma muy estética, la obra nos pone en la situación de voyeur, testigos de la relación entre el gesto respetuoso del pescador que acompaña la agonía del animal hasta la muerte.

Ozan Atalan (Çanakkale1985, vive en Izmir), analiza el costo de las actividades humanas en expansión, y responde especulativamente al crecimiento ilimitado de la civilización y a la erradicación de la naturaleza. La instalación “Monochrome” toma como punto de partida la destrucción del hábitat del búfalo de agua en la región de Estambul. La construcción del nuevo aeropuerto de Estambul, de un tercer puente sobre el Bósforo y la intervención urbana en los fuertes del norte, han desplazado a esta especie endémica de la región. Está hablando ahí de una posible extinción por venir. Un video documental muestra en dos pantallas chicas instaladas en un rincón las casas nativas de los búfalos de agua y el frenesí de la edificación que conduce a su destrucción. Por otro lado, en el medio de la sala, de forma muy obvia y no necesariamente necesaria, se exhibe un esqueleto de búfalo sobre una plataforma de tierra, que hace referencia a la puesta en escena de los museos de historia natural.

Turiya Magadlela (Johannesburgo 1978, vive en Johannesburgo) y Eva Kot'átková (Praga 1982, vive en Praga) ambas trabajaron con proyectos en los cuales la base de producción es el textiles.

Turiya evoca la discriminación racial y sexual como también la sensualidad y el feminismo. A través de una instalación, producida para la Bienal, que consiste en una especie de cueva hecha con una tapicería realizada con medias de color piel de diferentes marones cosidas juntas.

Por otro lado, la obra de Kot'átková, “Machine for restoring Empathy”, también producida especialmente para la bienal, sigue la línea inmersiva que suele generar la artista en sus instalaciones. Aquí, presenta la empatía como una fuerza a través de la cual se actúa y se comprende nuestro mundo, el trabajo toma la forma de una instalación del tamaño de una sala que alberga un taller de costura y narraciones de cuentos. La maquina esta manejada por la gente (los empleados) que cosen tiras de telas para acomodar a un grupo de personas, animales, plantas, objetos u otros seres que carecen de algo o se sienten incompletos, rotos o heridos. Los participantes intercambian historias que hablan de nuestra relación entre individuos en este mundo y sugiere la importancia de dar la posibilidad de expresarse a los que no tienen voces.

La segunda sede de la bienal, el Pera Museum, ubicada en la cuidad vieja de Estambul, reúne 14 artistas de diversas procedencias y generaciones. Entre ellos se destacan ciertos trabajos muy interesantes en relación con el contexto y el tema tratado.

Simon Starling (Epsom 1967, vive en Copenhagen) presenta “Infestation Piece” (Musselled Moore) (2006-2008) y Mask for Istanbul (2019) un proyecto que funciona perfectamente con las interrelaciones complejas con las cuales opera su obra en general.

Se trata de un proyecto con varios episodios y líneas de lectura, alrededor de una obra del escultor ingles Henry Moore. El proyecto se presenta en varios actos, a través de un listado cronológico de hechos, dos fotos en cajas de luz y una mascara en una vitrina.

La obra surge de la copia que realizó Starling de “Seated Warrior”, una escultura que Henry Moore realizo en el 1954. Esta copia fue sumergida en el lago Ontario, en Canadá, durante un año y medio, la misma, durante su estadía en los fondos acuáticos fue colonizada por mejillones cebras. Las dos cajas de luz contienen fotografías del proceso de conservación de esta escultura, cuando se exhibió en la Galería de Arte de Ontario luego que fuese infestada por una segunda plaga de polillas no deseada que ataca su superficie rica en proteínas. Este proceso pareció darle a la escultura una vida completamente nueva y conmovedora en términos de la compleja relación entre el reino aparentemente hermético del museo y el mundo "natural" más allá de sus paredes. Se dramatiza aún más el proyecto con la exhibición de una escultura recién producida, “Infestation Piece” (Máscara para Estambul).


Charles Avery
(Oban 1973, vive en Londres y Mull); presenta su proyecto abierto en el cual ha estado trabajando desde el 2005 en relación con una isla épica y ficticia, basándose en la experiencia personal, el discurso filosófico y la imaginación artística. La isla está poblada por un grupo heterogéneo de personajes, que incluye una bestia, un personaje travieso y numerosas anguilas. La instalación que Avery presenta en la Bienal de Estambul se asemeja a los puestos de un mercado de pescado y representa varios aspectos de La Isla y su mitología, desde jardines públicos, hasta la moneda o la gente del pueblo. El proyecto abarca dibujos y numerosos objetos escultóricos (hechos de vidrio soplado a mano, acero y otros medios), que se parecen a pepinos de mar, criaturas parecidas a medusa y erizos espinosos. Funciona como una instalación en dialogo con los dibujos que son mas narrativos.

Norman Daly (Pittsburgh 1911, fallece en New York 2008) presenta La civilización de Llhuros, un interesante proceso de ficción en relación con un pasado inventado. Su proyecto comenzó a principios y mediados de la década de 1960 cuando pasó de la pintura a la tridimensionalidad (ensamblajes y relieves de mármol). Daly pasó a fines de la década de 1960 al concepto y la producción de una civilización antigua recién descubierta. Muy bien pensado museográficamente, la obra que se exhibió por primera vez en 1972-1974 en Estados Unidos y Alemania y aparece aquí en Estambul como parte integrante del museo. La instalación se compone de muchas vitrinas con elemento visual central, una multitud de artefactos, con poesía, música y comentarios académicos. Habla ahí en gran medida de su propio mundo, haciendo una alegoría a las aspiraciones, obsesiones y a la disolución de nuestro mundo.

Con un acercamiento más científico podemos admirar las obras de Ernst Haeckel (Potsdam 1834, fallece en Jena 1919), que fue un fisiólogo, profesor de anatomía, científico e ilustrador. Es conocido como el inventor de la ecología, o el estudio de la relación entre los seres vivos. Un gran defensor del darwinismo. Descubrió, describió y nombró miles de nuevas especies, mapeó un árbol genealógico que relaciona todas las formas de vida y acuñó muchos términos en biología. Su obra maestra se reúne en un libro titulado Kunstformen der Natur (Arte Formas de la Naturaleza) en el que produjo más de 100 ilustraciones detalladas y multicolores de animales, criaturas marinas y microorganismos. Producidas con mucho detalle y en varios colores, las obras parecen representaciones casi científicas de especies imaginarias, aunque se basan en la observación científica. A la luz de la extinción masiva de especies que estamos experimentando, podemos ver el trabajo de Haeckel como una máquina del tiempo o representante de un mundo perdido. Las obras nos hacen viajar y vislumbrar la extrema riqueza de la biodiversidad que nos rodea.

Otro artista que comparte el don de la ilustración es Luigi Serafini (nacido en Roma 1949, vive en Roma y Milán). Inspirado por los mundos imaginarios, la obra de Serafini se inspira de bestiarios medievales que mezclaban bestias con fauna científica. El Codex Seraphinianus es una enciclopedia ilustrada de ese universo que ha alcanzado a la fecha su undécima edición. El volumen híbrido de texto e imagen representa máquinas, detalles anatómicos, mitologías, alimentos, vestimenta, flora, fauna y otros conceptos iniciados por el artista a fines de la década de 1970. La obra, que recuerda el libro de un naturalista, un atlas o una guía de viaje a un universo desconocido, y contiene representaciones fantásticas, está escrita en un idioma desconocido y compuesta en un estado de escritura automática. Nueve obras del Codex Seraphinianus (2013) dan una idea de la capacidad de la imaginación humana. Luigi Serafini, ha trabajado como arquitecto, ceramista, vidriero, pintor, escultor, diseñador, escenógrafo y escritor.

Pia Arke, (Ittoqqortoormiit, Groenlandia, 1958, fallecida en Copenhague, Dinamarca, 2007,) fue una pintora, fotógrafa y autora danesa-groenlandesa que examinó las relaciones étnicas y culturales entre Dinamarca y Groenlandia. Reconocida como una de las críticas y figura poscolonial más importante de la región nórdica, como resultado de la investigación artística que practicó durante dos décadas en estas regiones. Es recordada por sus autorretratos, fotografías de paisajes de Groenlandia y por sus pinturas y escritos que se esfuerzan por presentar las complejas relaciones étnicas y culturales entre Dinamarca y Groenlandia.

La bienal presenta dos trabajos : por un lado la delicada serie Legend I-II-III-IV-V compuesta de cinco collages grandes de mapas de Groenlandia, así como la familia las instantáneas, que están en capas con muestras de productos básicos como arroz, azúcar y café, que hacen referencia a la mercantilización y el colonialismo; y en paralelo, en otra ubicación cercana, the Old School Map, obra en la cual se apropió de un mapa en inglés del Atlántico Norte, en el cual anotó informaciones con lápiz. En otra sala presenta cuatro fotografías Imaginary Homelands alias Ultima Thule alias Dundas 'The Old Thule' en las cuales se ven casas en un paisaje casi desolado.

En la isla Büyükada que forma parte de las Princes Island, ubicadas a una hora de barco del centro de Estambul se pueden ver propuestas de otros 6 artistas en 5 espacios diferentes, de las cuales se destacan particularmente el proyecto que Armin Linke (Milán 1966, vive en Berlín), fotógrafo y cineasta, fascinado por el uso de la tecnología moderna para mapear, visualizar y explotar el mundo.

Para la bienal presenta “Prospecting Ocean”, un proyecto en el cual explora el punto de inflexión de las ecologías oceánicas de hoy y el contexto tecnocrático de la industria, la ciencia, la política y la economía. Este trabajo se muestra junto con una selección de documentos relacionados con la historia marina italiana y turca. Montados en colaboración con el Prof. Emin Özsoy, los mapas y libros proporcionan una visión de la investigación científica sobre el Bósforo realizada por Luigi Ferdinando Marsili (1658-1730), un erudito y científico natural de Bolonia, uno de los padres fundadores de la oceanología moderna.

En una casa abandonada y medio derrumbada, otra de las sedes de la isla, se puede admirar la instalación sonora y visual de Hale Tenger (Izmir 1960, vive en Estambul). Su trabajo se centra en la experiencia del espectador, basada en la fusión de sensaciones como la textura, la forma, el color y el sonido, sus configuraciones narrativas crean espacios sensoriales y cognitivos. En esta nueva instalación se inspira en la localidad y en la técnica botánica conocida como faja utilizada tanto para mejorar el crecimiento de las frutas en los árboles como en la silvicultura para matar árboles. La instalación incluye la suave dicción de un poema de Tenger, en turco e inglés, sobre poder, autoconocimiento y codicia. Las voces surgen de los arboles de una forma muy delicada sin que el espectador pueda realmente ubicar los artefactos que difunden esas voces, generando así un momento muy especial. Instaladas de forma muy minimal en el jardín descuidado de la casa, varias piedras de obsidiana aplastadas (material volcánico utilizado prehistóricamente como espejos) en forma de redondos negros, apuntan de forma reflexiva hacia al cielo, creando un entorno inmersivo, estableciendo un espacio para la introspección y la regeneración en este sitio históricamente cargado.

THE SEVENTH CONTINENT termina siendo una ventana desde la cual el arte observa algunas problemáticas muy actuales del mundo, con Greta Thunberg apareciendo en los medios internacionales a diario y con cuestionamientos sobre varios dirigentes importantes que gobiernan el planeta de forma despótica, estamos en un momento frágil en el cual la sociedad ya no tiene mucho poder para expresarse con voces que logren llegar a los dirigentes.

Es mas importante que nunca que los artistas puedan generar mensajes fuertes a través de este tipo de eventos, pero lamentablemente me parece que siempre van a ser demasiado tímidos y no van a tener el impacto que tendrían que lograr realmente.



algunas resonancias culturales en simultáneo.

En simultaneo con la inauguración de la Bienal Estambul, la cuidad conto con varios eventos culturales importantes como fue el caso de “Contemporary Istanbul”, la feria de arte que congrego a mas de 70 galerías, de unos 20 países y la inauguración de Arter, un nuevo museo privado de la famosa KOC Holding, una de las empresas mas importante de Turquía que cuenta con mas de 120 000 empleados en todo el mundo y que son los patrocinadores de la bienal hasta el 2026.

Contemporary Istambul, no es una feria que se destacaría por ser parte de las 10 mejores ferias internacionales, aun encontrándose en la cuidad mas pobladas de Europa, queda como una feria mas bien regional. De las mas de 70 galerías que participan se destacaban algunas galerías extranjeras como fue el caso de galerías de Georgia o de Alemania o las dos galería latinas presentes en la feria, Barro que presento un solo show de obras reciente de Matias Duville o Isabel Croxatto Galeria que presento una selección de artistas Chilenos. Pero de forma general la mayoría de las Galerías eran locales. Algunas bastante importantes como es el caso de Pilevneli que tuvo un stand muy original, y que cuenta con dos sedes en la capital. Una inaugurada en el 2017 de 1500 metros cuadrados, pegada a Arter, en donde presentaban una muestra de obras actuales del alemán Tobais Rehberger, y otra sede temporal ubicada en una antigua fabrica de Licores de 4000 m2 en Mecídíyeköy, una zona mas de negocios y hoteles, allí se presentaban cuatro exposiciones de artistas locales e internacionales.

Por otro lado, Arter esta situado en Dolapdere a 750 m de la famosa Taskim Square, un barrio en el cual se ubican en al actualidad muchos talleres de reparaciones de autos, el edificio recientemente inaugurado diseñado por Grimshaw Architects, London, cuenta con seis pisos y una superficie total de 18000 m2 de los cuales 4000m2 son salas de exposiciones. Su construcción arranco en el 2015 y recién se inauguro en septiembre del 2019.

Para su apertura, la nueva institución propone siete muestras simultáneas de las cuales 4 están compuestas con una selección de obras de la colección de la fundación que cuenta con 1300 obras en total. Entre ellas se destaca la muestra colectiva “What time is it” curada por Emre Baykal & Eda Berkmen que reúne 44 obras de 34 artistas que invitan a los espectadores a contemplar los conceptos de tiempo, espacio y memoria. Explorando los significados que generan en diferentes contextos y la interacción que establecen entre sí y con temas como objetos cotidianos, hogar, historias personales y colectivas, dentro y fuera, ritmos urbanos, arquitectura, arqueología, fronteras y migración. Entre otras obras se destaca la famosa video instalación de Nam June Paik, French Clock TV del 1989, un video histórico de Jonas Mekas, o la video instalación de 9 canales del Suizo Eric Hattan que registra durante varios años y en diversos lugares del planeta gestos simples realizados por actores anónimos que generan ruidos manipulando objetos cotidianos. Otra de las muestras importantes incluyen las de Ayşe Erkmen, una de las artistas turcas más reconocida internacionalmente, o “The Hidden Conference” la imponente cine instalación de Rosa Barba, tres films en 35 mm proyectados simultáneamente que muestran las entrañas de los museos a través de una investigación sobre áreas y archivos de almacenamiento cultural.

Tanto las salas de exposiciones, los espacios, como la librería, la biblioteca, los dos auditorios o el bistro están muy bien pensados y especialmente bien interconectados a través del atrium. Arter logra ser una institución contemporánea que responde totalmente a las necesidades del arte y de su público en épocas contemporáneas.

Saha una residencia para artistas ubicada a metros de Taskim, fue creada en el 2011 con la idea de apoyar artistas turcos en la producción de obras y la difusión de las mismas. Llevada a cabo por un grupo de varias mujeres, la estructura se compone de una sala grade con 4 espacios para recibir artistas, una librería y una oficina. Los artistas están invitados a desarrollar proyectos por una duración de varios meses y se generan visitas de talleres y encuentros para dar a conocer sus procesos de producción y sus trabajos. Saha apoyo más 300 artistas y curadores turcos para que puedan producir obras para eventos internacionales como la Bienal de Venecia, la bienal de Estambul, o la Dokumenta, para nombrar solo algunos. También reciben artistas y curadores internacionales que quieren investigar en el campo del arte contemporáneo Turco.

Mas allá de las importantes problemáticas políticas que sufre Turquía en este momento con el gobierno de turno, se ve que las energías están para seguir adelante y superar las políticas nefastas del gobierno nacional de Recep Tayyip Erdogan. Inútil mencionar que la victoria de Ekrem Imamoglu
como alcalde de la cuidad mas importante del país, logro dar una cierta esperanza a los actores culturales locales para poder trabajar con una visión de futuro mas libre.

Esperemos que en dos años, para la próxima Bienal, Turquía ya logre volver a lo que era años atrás y deje ese oscuro episodio político de lado.


biennialfoundation.org

por Sigismond de Vajay, 21 de Octubre de 2019
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