Entrevista a Wava Carpenter

Wava Carpenter [1] tiene 34 años. Nació en Indiana pero creció en Florida. Es graduada de Historia del Diseño de la Parson's School of Design de la ciudad de Nueva York. Y desde hace dos años es la Directora de Cultura y Contenidos en Design Miami, el primer evento de coleccionismo de diseño, que nació como una rama de Art Basel en Suiza. Cada año, DM tiene una edición europea durante la feria de arte en Basel y otra americana, en diciembre. La tarea de Carpenter en DM es ardua: no sólo se ocupa del programa general y la selección de todos los participantes, también concibe lo Design Talks, las performances, las exhibiciones satélites y los premios de la feria.

¿Qué te llevó a elegir el diseño como carrera?
Empecé en Historia del Arte a los 18 y fue una progresión natural hacia el diseño. El Diseño no es sólo para las casas de los ricos… casi todo es diseño. Siempre estuve interesada en el consumo del diseño, en por qué a la gente de los años 50 le gustaba esto o aquello.

¿Cuál es tu rol en Design Miami?
Hago el programa cultural para ambas ferias, Design Miami/Basel en Junio, en Suiza, y Design Miami en Diciembre en Miami. Esto incluye las charlas de diseño durante las ferias, las exhibiciones satélite, contacto museos, escuelas, diseñadores, organizo los programas de diseño para invitar a jóvenes diseñadores a diseñar en el lugar, organizo los premios, ayudo a encontrar las galerías. Debemos encontrar los fondos, prestando atención a lo comercial y lo cultural. Somos muy ambiciosos y debemos conseguir hacer muchas cosas con muy poco dinero. La novedad es que este año tendremos diez candidatos para el premio diseñador del futuro en Basel y tres para diseñador del año en Miami. [2]

¿Cuándo y como nació el coleccionismo de diseño contemporáneo?
No es algo nuevo: mucha gente ha estado coleccionando diseño en las últimas décadas. Entre los pioneros se destaca Alexander Von Vegesack, es director del Vitra Design Museum de Alemania desde que este museo abrió en 1989 [3]. El era coleccionista en un momento en que los coleccionistas no le daban valor, por caso, a Jean Prouve. Al despunte de los 90s comenzaron a prestarle atención al área las casas de remates como Wright Auction House, de Chicago. El cambio de milenio marca el comienzo de atractivos catálogos exclusivamente dedicados al diseño moderno. En los últimos 5 años el diseño se prestó para que arquitectos y diseñadores como Tom Dixon y Ron Arad develaran el curioso proceso del diseño asistido por comutadoras, que tanta curiosidad despertaba. Aunque ellos tienen un perfil artesanal: tanto Arad como y Dixon trabajaban directamente con sus manos y prefieren mantener esa modalidad, como si se tratara de una obra de arte, en lugar de adoptar las nuevas tecnologías de proptotipado rápido que cundieron a partir del 2000. Junto con el comienzo del milenio, el mercado del arte se encendió. Y, si para comprar una importante pieza de diseño hoy se necesitan 50.000 dólares, para comprar una importante pieza de arte, se necesita mucho más. La gente se interesa en el diseño, hay más revistas, shows de televisión mostrando casas, mirando el espacio, no sólo los grandes coleccionistas de arte.

¿Qué diferencia al coleccionista de arte moderno y contemporáneo del de diseño?
Pienso que son la misma gente. Hay coleccionistas de diseño solamente y coleccionistas de arte solamente pero en general, los de diseño llegan desde el coleccionismo de arte. Hay colecciones basadas en periodos definidos, como francés de postguerra, nuevos trabajos preliminares de arquitectos, Posmodernismo italiano, etc. Los coleccionistas tienden a enfocarse agudamente en el diseño. Y son muy conservadores en lo que coleccionan: contrariamente al interés del coleccionista de arte no les interesan las piezas controversiales ni desafiantes. Pueden estar impresionados por una pieza valiosa pero siguen pensando en que tienen que usarla de una manera funcional.

Para algunos, el coleccionismo en el diseño genera una contradicción con el espíritu fundacional de la disciplina, el carácter seriado, que es uno de los valores fundamentales de la democratización de los objetos.

¿Cómo explica esto?
Estudie Historia del Diseño…. miro en una perspectiva más amplia; en la era de la Bauhaus, la era de la postguerra la fábrica de diseño y la producción masiva fueron lo mejor para la mayoría de la gente. Todavía es una definición valida. El diseño necesita ser para las masas. Con anterioridad a la producción masiva del siglo XIX, estaba hecho para un momento y un cliente particular. La producción masiva se dio en un periodo corto. Entrando en el siglo XXI si vives en un país industrializado como toda Norteamérica, países de Europa, China, Japón, estamos rodeados de cosas que podemos tirar. Es un mundo de tirar las cosas. Esto por supuesto depende del medio. Hay un impacto en el medio ambiente por tener demasiadas cosas. Somos una sociedad superpoblada de objetos. La abuela ya no te traspasa sus cosas. El diseño está resolviendo este problema, es una era de experimentación, de hecho a mano, de nuevos materiales, de ediciones limitadas, para ver cómo pueden ser y parecer las formas Es muy excitante vivir en una era de niveles de experimentación. Las cadenas Target e Ikea le están dando a la gente más opciones de estilos. Los diseñadores están colaborando con científicos, con artistas, con planificadores de ciudades. Por eso con Design Miami queremos ver como el diseño explota y se desarrolla...

¿Cuáles son los hitos en la historia del coleccionismo de diseño. Y cuál la relación de estos con lo que se producía en el momento?
Es difícil hacer coincidir el mercado masivo con la historia del diseño. La Primera Exposición Internacional de Londres, organizada por el príncipe Alberto, esposo de la reina Victoria en 1851 es el primer hito. La industria estaba empezando a interesarse por el diseño pero la calidad y el estilo no eran buenos. Mucha gente piensa que este fue el inicio del Modernismo [4]. En realidad las maquinarias estaban copiando lo hecho a mano. Esto se considera deshonesto. Por ejemplo, una elaborada silla hecha a mano en madera, era copiada por máquinas, y surge la idea y un germen diferente, las cosas hechas de manera más fácil. El Modernismo está muy conectado a la higiene de las cosa...

¿Entonces está asociado con el feminismo?
Mucha gente lo asocia con el feminismo. Solía ser un concepto masculino de decoración, que no incluía figuras de porcelana, ni muebles elaborados. En 1970 y 80 lo consume la gente más avant garde hasta que dicen: necesito algo más que limpieza, necesito algo que me encante, se dan cuenta de que los muebles no son cómodos y necesitan que el sillón del living sea mullido, para la mayoría de la gente, las piezas conceptuales no tienen estas características.

¡¡Y justo llega el Memphis!!
Sí, claro, aunque ya había otras manifestaciones de ruptura...

¿Quién fue la persona o el movimiento que influyo más en la promoción del coleccionismo de diseño?
Richard. Wright, de Wright Auction House, la Casa de Remates de Chicago, sin dudas...

¿Piensa que el Bauhaus y el exilio de sus principales miembros a los Estados Unidos afectó al coleccionismo de diseño? ¿Cómo?
La gente que vino a América afecto necesariamente su cultura. Moholy Nagy fue a Chicago, Walter Gropius a Massachusetts. Ésto afecto al MoMA y el MoMA define al Modernismo y todavía tiene el mismo departamento de diseño. Ambos trabajaron en Estados Unidos como profesores de Diseño.

¿Cual es, en su opinión, la mejor colección de diseño, en el ámbito institucional o privado?
Mi favorita es la colección del Victoria and Albert Museum de Londres, que se originó a partir de la Exhibición Internacional, en 1851. Continuaron agregando piezas modernas. Puedes ver todo ahí...

¿Cuál es la institución que contribuyo más al coleccionismo en Europa?
El London Design Museum. Ayudan a promover nuevos trabajos contemporáneos. Crean programas para presentar a los diseñadores más jóvenes y luego, inmediatamente, estos jóvenes aparecen en el mercado de los coleccionistas

¿El coleccionismo ayuda a difundir el diseño?
La esperanza es que traspase la colección, que llegue a una institución pública. Por otra parte, crea un estado financiero en el cual, de otro modo, se promueve el diseño. Design Miami es un buen lugar para demostrar esta realidad. Lo que personalmente creo más apoyo ofrece a la difusión es la inclusión de estudiantes: en Miami y en Basel, promocionamos las muestras en escuelas y las invitamos. De cada manifestación, lo que más influye es lo experimental.

¿Que línea del coleccionismo promueve DM?
Oficialmente, fin del siglo XX hasta hoy, Modernismo y lo posterior que haya dejado o vaya a dejar una marca en la Historia del Diseño.

¿Hay todavía diseñadores que, como Philip Starck, se niegan a tener piezas en los museos, diciendo que los museos de los diseñadores son las casas de la gente?
Si. Definitivamente hay toda clase de diseñadores, algunos que no quieren saber nada de ser conocidos y son anónimos. Estamos rodeados de objetos de diseño. La producción y el marketing del 95% de los diseñadores, especialmente en Estados Unidos, no incluye para nada sus nombres. Hay muchos diseñadores que solo trabajan de ese modo. No tenemos que elegir por unos u otros: en diseño, hay lugar para todos.

Hablemos de las series: ¿cómo reaccionan ante ellas los coleccionistas de diseño? Se vende la pieza numero uno?
Depende de cómo estén hechas las piezas. Algunas están hechas a mano en su totalidad. Las piezas de Zaha Hadid tienen formas alocadas y no son hechas a mano por ella sino por compañías que trabajan para ella. Decide usar 10 o 12 piezas
Porque eso es lo que las compañías van a producirle. En este caso, el equipo necesario esta hecho por una máquina y no importa si es la segunda pieza o la número 10. Este mundo requiere mucha información, depende de cada pieza en particular, no se puede dar una definición regular para todas las piezas.

¿Cómo ve el futuro del coleccionismo de diseño?
Hay un interés creciente en diseñadores jóvenes, la gente se siente cómoda mirando hacia el diseño y pagando determinados precios. En Londres se están haciendo muchos trabajos conceptuales y la gente esta dispuesta a pagar por ellos.

¿Qué proyectos estás desarrollando?
Estoy escribiendo un ensayo para un libro de texto de diseño. Es teoría del diseño sobre el desarrollo y la historia de la Eames Lounge chair, la famosa silla con otomán creada por Heman Miller en 1956, que todavía se produce. [5]


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La autora nació en La Plata. Reside en Miami desde 1993. Es Profesora de Historia del Arte y Licenciada en Historia del Arte (UNLP), Restauradora y Conservadora de Obras de Arte, graduada del Instituto Técnico de Restauración Domingo Tellechea, con especialización en Arte Occidental de los siglos XX y XXI en el Miami Art Museum, Miami, Florida. Y en México practicó la restauración de pintura religiosa de los siglos XVI y XVII en el Convento de Churbuzco, (México, DF) para luego especializarse en la restauración de obras de maestros de la pintura latinoamericana en general y cubana en particular. Da clases de Historia el Arte y de la Música y de la Arquitectura en Saint John Vianney Seminary Collage, Miami, FL. Actualmente investiga sobre Modificación del cuerpo y sus afiliaciones culturales e históricas para una tesis doctoral en Historia del arte.

[1] Wava Carpenter es licenciada en Historia del Diseño y las Artes Decorativas, con una especialización en Diseño de la posguerra en los Estados Unidos e Italia. Coordinó las exhibitions del Cooper-Hewitt, National Design Museum, incluyendo Second Skin y New Design de Israel. Ha dado clases de Teoría Crítica en la Parsons New School for Design.

[2] N de E: Hasta la tercera edición de DM, había tres candidatos anuales al premio Diseñador del Futuro en la edición de Suiza, y uno en la categoría Diseñador del año. Estos fueron, en los tres años sucesivos: la anglo-iraquí Zaha Hadid, el australiano Marc Newson y el japonés Tokujin Yosioka.

[3] N de E: El Vitra Design Museum mantiene una de las colecciones más grandes de mobiliario moderno, con objetos que representan las principales eras y períodos estilísticos desde comienzos del siglo diecinueve al presente. Las áreas especiales de la colección incluyen los tempranos muebles industriales de madera curvada; los diseños bisagra entre siglos de los vieneses; los experimentos de Gerrit Rietveld; el mobiliario de acero tubular desde 1920 a 1930; objetos clave del diseño Escandinavo desde 1930 a 1960; diseño Italiano y desarrollos contemporáneos. Un área de creciente interés es la del diseño Estadounidense, desde el mobiliario Shaker hasta los muebles posmodernos de Robert Venturi.

[4] N de E: Para muchos historiadores de la arquitectura, el edificio que se erigió para albergar dicha Exposición, el Palacio de Cristal, de Joseph Paxton, marca el comienzo de la Modernidad.

[5] N de E: Querrá saber el lector por qué ese es el sillón que, desde los 60 hasta hoy, cundió entre los psiconalistas porteños. No es una mera coincidencia ni pura consecuencia de la comodidad de esta pieza. Aunque, como una búsqueda del tesoro, el "misterio" será pronto develado en algun otro espacio-medio-acción. Sólo hay que estar atento e interesado.